Le Poème élégiaque, admirablement servi par Tatiana Samouil.
Son jeu s'accorde avec aisance à la vision hypnotique et envoutante qui inspira l'autre grand Poème, celui de Chausson.
L’archet égal, la touche infaillible et l'éloquence y font merveille.
Eugène Ysaÿe CD
Le Poème élégiaque, admirablement servi par Tatiana Samouil.
Son jeu s'accorde avec aisance à la vision hypnotique et envoutante qui inspira l'autre grand Poème, celui de Chausson.
L’archet égal, la touche infaillible et l'éloquence y font merveille.
Le Poème élégiaque, admirablement servi par Tatiana Samouil.
Son jeu s'accorde avec aisance à la vision hypnotique et envoutante qui inspira l'autre grand Poème, celui de Chausson.
L’archet égal, la touche infaillible et l'éloquence y font merveille.
London
Tatiana Samouil apporte à Prokofiev vaste palette de couleurs est un ton toujours ciblé qui séduit.
Tatiana Samouil apporte à Prokofiev vaste palette de couleurs est un ton toujours ciblé qui séduit.
Tchaikovsky Concerto
Moscow
Одним из самых запоминающихся по своему художественному уровню оказалось выступление вместе с оркестром выпускницы училища, знаменитой скрипачки Татьяны Самуил, сыгравшей вторую и третью части Концерта Чайковского: пленительный-мягкий, благородный, теплый-звук скрипки в руках Самуил заворожил с самых первых моментов и подарил истинное эстетическое наслаждение.
Одним из самых запоминающихся по своему художественному уровню оказалось выступление вместе с оркестром выпускницы училища, знаменитой скрипачки Татьяны Самуил, сыгравшей вторую и третью части Концерта Чайковского: пленительный-мягкий, благородный, теплый-звук скрипки в руках Самуил заворожил с самых первых моментов и подарил истинное эстетическое наслаждение.
Карт-бланш
Moscow
Татьяна Самуил сыграла бенефис как «Карт-бланш»
На VII международном музыкальном фестивале Юрия Башмета в Ярославле случилась премьера бенефиса скрипачки Татьяны Самуил. Победы Самуил (ученицы М.Глезаровой и И. Ойстраха) на конкурсах, в том числе Чайковского, давно закрепили за ней статус надежного и часто экспериментирующего артиста. Башмет приметил ее давно, и частенько приглашает на свои фестивали.
В этот раз Самуил получила Carte Blanche - именно так называется камерная программа из трех абсолютно разноплановых сочинений.
Концерт открыла пьеса Софьи Губайдулиной »Танцовщик на канате« (1993) - авангардное и дерзкое сочинение. Пока пианистка Ирина Ланькова (Франция) орудовала стеклянным стаканом по фортепианным струнам, Татьяна Самуил поднималась по ступенькам виртуозности - Губайдулина обожает заворожить слушателя мнимой простотой и тягучими атональностями, а затем огорошить фейерверком на разрыв сердца. Самуил вкрадчиво и начала, а затем ... Замысел автора исполнен целиком и полностью, можно предположить.
Совсем другая история - »История солдата« Игоря Стравинского. Целиком сюиту исполнять не стали, но выбрали фрагмент, вполне самодостаточный по сюжету. Текст читал известный комический актер Михаил Полицеймако, однако дальше разложения диалога на »детские« голоса беглого солдата и придурковатого черта он идти не решился, и многие вполне »взрослые« гэги и абсурдистские финты из текста обыгрывать не стал. Между тем, концерт был вечерний и публика была вполне совершеннолетняя.
Отчасти причина - в настрое самой Татьяны Самуил. Она искала в Стравинском не комические двусмысленности, а задор и азарт. Так и играла, с бесенком в глазах, парадоксально напоминая при этом учительницу младших классов школы. Выше всяких похвал прозвучали знаменитые »Танцы« - иронический микс регтайма, джаза, танго и аллюзий на альпийский рог (очень точно играл французский кларнетист Паскаль Морагес).
А все второе отделение было отдано »Гольдберг-вариациям« Баха, тем самым, которые якобы были написаны для российского посланника в Саксонии Кейзерлинга, страдавшего от бессонницы — и именно для его засыпания. 30 вариаций для клавесина предстали в переложении Дмитрия Ситковецкого для скрипки, альта и виолончели. Татьяне Самуил достойную компанию составили альтистка Наталья Чич (Испания) и виолончелист Павел Гомзяков (Германия). Пожалуй, это было невероятно выверенное и равномерно темперированное пиршество звука — настолько академично и роскошно прозвучало это трио. Никаких вольностей. Одно лишь отклонение - заснуть под эту великую музыку Карл фон Кейзерлинг наверняка не смог бы.
Бенефис Татьяны Самуил обнажил важную и существенную проблему. Музыканты, не причисленные к когорте великих (пока), редко имеют возможность создавать свои концерты как самостоятельное произведение искусства, создавать свои фестивали, приглашать музыкантов со всего мира. Юрий Башмет дал карт-бланш талантливой скрипачке Самуил, и не прогадал - программа оказалась роскошной, неожиданной, разноликой. Возможно, это хорошая идея - давать молодым талантам карт-бланш, обеспечивать приезд всех требуемых для воплощения замысла артистов, и - создавать новую культурную среду.
Башмет это может. И - делает.
Татьяна Самуил сыграла бенефис как «Карт-бланш»
На VII международном музыкальном фестивале Юрия Башмета в Ярославле случилась премьера бенефиса скрипачки Татьяны Самуил. Победы Самуил (ученицы М.Глезаровой и И. Ойстраха) на конкурсах, в том числе Чайковского, давно закрепили за ней статус надежного и часто экспериментирующего артиста. Башмет приметил ее давно, и частенько приглашает на свои фестивали.
В этот раз Самуил получила Carte Blanche - именно так называется камерная программа из трех абсолютно разноплановых сочинений.
Концерт открыла пьеса Софьи Губайдулиной »Танцовщик на канате« (1993) - авангардное и дерзкое сочинение. Пока пианистка Ирина Ланькова (Франция) орудовала стеклянным стаканом по фортепианным струнам, Татьяна Самуил поднималась по ступенькам виртуозности - Губайдулина обожает заворожить слушателя мнимой простотой и тягучими атональностями, а затем огорошить фейерверком на разрыв сердца. Самуил вкрадчиво и начала, а затем ... Замысел автора исполнен целиком и полностью, можно предположить.
Совсем другая история - »История солдата« Игоря Стравинского. Целиком сюиту исполнять не стали, но выбрали фрагмент, вполне самодостаточный по сюжету. Текст читал известный комический актер Михаил Полицеймако, однако дальше разложения диалога на »детские« голоса беглого солдата и придурковатого черта он идти не решился, и многие вполне »взрослые« гэги и абсурдистские финты из текста обыгрывать не стал. Между тем, концерт был вечерний и публика была вполне совершеннолетняя.
Отчасти причина - в настрое самой Татьяны Самуил. Она искала в Стравинском не комические двусмысленности, а задор и азарт. Так и играла, с бесенком в глазах, парадоксально напоминая при этом учительницу младших классов школы. Выше всяких похвал прозвучали знаменитые »Танцы« - иронический микс регтайма, джаза, танго и аллюзий на альпийский рог (очень точно играл французский кларнетист Паскаль Морагес).
А все второе отделение было отдано »Гольдберг-вариациям« Баха, тем самым, которые якобы были написаны для российского посланника в Саксонии Кейзерлинга, страдавшего от бессонницы — и именно для его засыпания. 30 вариаций для клавесина предстали в переложении Дмитрия Ситковецкого для скрипки, альта и виолончели. Татьяне Самуил достойную компанию составили альтистка Наталья Чич (Испания) и виолончелист Павел Гомзяков (Германия). Пожалуй, это было невероятно выверенное и равномерно темперированное пиршество звука — настолько академично и роскошно прозвучало это трио. Никаких вольностей. Одно лишь отклонение - заснуть под эту великую музыку Карл фон Кейзерлинг наверняка не смог бы.
Бенефис Татьяны Самуил обнажил важную и существенную проблему. Музыканты, не причисленные к когорте великих (пока), редко имеют возможность создавать свои концерты как самостоятельное произведение искусства, создавать свои фестивали, приглашать музыкантов со всего мира. Юрий Башмет дал карт-бланш талантливой скрипачке Самуил, и не прогадал - программа оказалась роскошной, неожиданной, разноликой. Возможно, это хорошая идея - давать молодым талантам карт-бланш, обеспечивать приезд всех требуемых для воплощения замысла артистов, и - создавать новую культурную среду.
Башмет это может. И - делает.
Tatiana Samouil fête la musique avec une intensité et une virtuosité incroyables.
L'immense virtuosité de Tatiana Samouil, le son à couper le souffle et l'accelerando final était une spirale de joie de vivre.
Interview
Thailand
»Miracle« violinist savours musical renaissance
Tatiana Samouil talks about her life, young students and the brush with death that left her fearing for her career
»This accident happened right after I had performed at the closing ceremony of the 2014 Winter Olympics in Sochi. I was hospitalised for five months. Doctors were uncertain if I would be able to walk again, or for that matter play the violin, so my miraculous recovery has given me a new lease of life« said Samouil, who was recently in Singapore to perform at the Synergy in Music 2014 concert.
»I am very thankful to be able to pursue my passion for music, be it as a soloist, an active chamber musician, recording artist or teacher. Since the accident, life has taken on new meaning for me.«
Samouil comes from a musical family, taking up the violin aged six. She has appeared with the Russian National Orchestra and St Petersburg Symphony Orchestra. In Belgium, she performed with the country’s leading orchestras, such as the National Orchestra of Belgium and the Brussels Philharmonic Orchestra.
The straight talking musician has studied under a string of distinguished music professors from Russia, Belgium and Spain. Samouil continues to pursue her passion for teaching, both in Belgium and in her native Russia. She has also taught students in France, Italy, Spain, Korea and Singapore.
Life sat down with the violin maestro to speak about an array of topics, answering questions with an air of frankness.
Can you share a few of your biggest moments?
»There have been numerous big moments, each playing an important part in taking me to the next stage of my career. In my early 20s, it was reaching the finals of the Tchaikovsky Competition. After accompanying my mother to watch the event since the age of 11, it was a great honour to actually be competing, let alone reach the finals. Having my mother there to savour the experience with me was great and it gave me confidence to build my reputation as a soloist. Performing at the closing ceremony of the 2014 Winter Olympics in Sochi was another highlight. As a Russian, it was a moment of great pride to showcase my musical talent at such a world event. Special moments recently have been my students winning international awards. As a teacher, I find it fulfilling each time they do well. A lot of hard work, discipline and practice goes into achieving the goals we set together. My students teach me a lot, so it is a give and take experience that is also emotionally fulfilling.«
What would you say has been the reason for your success?
»In retrospect, I believe a lot had to do with luck. I was born into a musical St Petersburg family, so early on in life I knew what I wanted to pursue. I was also very fortunate to have had some of the best teachers to guide me along the way. I also do believe a lot of it had to do with the passion I had and continue to have for playing the violin. You can never really be successful if there is no thirst to go after what you love.«
As a violin instructor, how has the teacher-student relationship evolved since you were a youngster?
»I grew up in traditionally conservative 70s Russia, an era where teachers were highly respected and were obeyed without question. So close was our relationship with them that they often became revered family members. Back then, changing teachers was, in fact, considered a betrayal. Loyalty was always expected and made a priority.
Today it is a different story because students are free to pick and choose their instructors. Students are also more mobile, having access to all sorts of information over the internet. My generation had to depend on teachers. In my opinion, too much information can become a double-edged sword. While it has its benefits, youngsters might find themselves overwhelmed and unable to choose what is best for them. Teaching techniques today are very much integrated, so you cannot really tell if you have had a Russian or French violin teacher.«
How was your experience of teaching in Asia?
»It was a delightful experience for me, as I found the students richly talented and eager to learn. In Seoul (South Korea), I found to my great joy that the violin has become one of the most trendy musical instruments to take up for youngsters. The same cannot be said about Europe, where numbers continue to decrease, despite people learning the violin because of tradition. Learning a musical instrument is hard work and one has to be disciplined. In my opinion, most young people require someone in authority, such as an instructor, to push them to practice.«
You seem to have a soft spot for Asian students...
»Yes, Asians are perfect students for me because their culture teaches them to respect their teachers and elders. This is something I appreciate because nowadays it is difficult to find such traits among youngsters, who believe it is their right to debate and question their teacher over everything that is taught. I believe in freedom of speech, but students have to listen and respect teachers.«
Why do you believe it is necessary to have masterclasses?
»In this day and age, I believe it is necessary because students don’t always have the opportunity to have a session with an expert. Meeting veteran musicians up close and personal encourages them to keep their focus on training. It is also not common practice for concert organisers to encourage musicians to offer masterclasses, so I was delighted when I heard that a day before the Synergy in Music 2014 Presented by Gazprom concert, I, together with fellow Russian musicians, would hold masterclasses for budding violists in Singapore. I hope we can arrange for more such events in Asia. From what I have seen, there is huge untapped talent.«
After all these years, how do you continue to add freshness to music you have played since childhood?
»I would describe it as like a favourite classical book that you have been reading since you were a child. Reading that particular book at different stages of your life can add a new perspective each time you pick it up. So when you are 15, there is something different you will get from it than when you are 20. For me, it is kind of the same with music. Each time I play a classical piece that I am familiar with there is a new depth to the music that I am experiencing for the first time.«
»Miracle« violinist savours musical renaissance
Tatiana Samouil talks about her life, young students and the brush with death that left her fearing for her career
»This accident happened right after I had performed at the closing ceremony of the 2014 Winter Olympics in Sochi. I was hospitalised for five months. Doctors were uncertain if I would be able to walk again, or for that matter play the violin, so my miraculous recovery has given me a new lease of life« said Samouil, who was recently in Singapore to perform at the Synergy in Music 2014 concert.
»I am very thankful to be able to pursue my passion for music, be it as a soloist, an active chamber musician, recording artist or teacher. Since the accident, life has taken on new meaning for me.«
Samouil comes from a musical family, taking up the violin aged six. She has appeared with the Russian National Orchestra and St Petersburg Symphony Orchestra. In Belgium, she performed with the country’s leading orchestras, such as the National Orchestra of Belgium and the Brussels Philharmonic Orchestra.
The straight talking musician has studied under a string of distinguished music professors from Russia, Belgium and Spain. Samouil continues to pursue her passion for teaching, both in Belgium and in her native Russia. She has also taught students in France, Italy, Spain, Korea and Singapore.
Life sat down with the violin maestro to speak about an array of topics, answering questions with an air of frankness.
Can you share a few of your biggest moments?
»There have been numerous big moments, each playing an important part in taking me to the next stage of my career. In my early 20s, it was reaching the finals of the Tchaikovsky Competition. After accompanying my mother to watch the event since the age of 11, it was a great honour to actually be competing, let alone reach the finals. Having my mother there to savour the experience with me was great and it gave me confidence to build my reputation as a soloist. Performing at the closing ceremony of the 2014 Winter Olympics in Sochi was another highlight. As a Russian, it was a moment of great pride to showcase my musical talent at such a world event. Special moments recently have been my students winning international awards. As a teacher, I find it fulfilling each time they do well. A lot of hard work, discipline and practice goes into achieving the goals we set together. My students teach me a lot, so it is a give and take experience that is also emotionally fulfilling.«
What would you say has been the reason for your success?
»In retrospect, I believe a lot had to do with luck. I was born into a musical St Petersburg family, so early on in life I knew what I wanted to pursue. I was also very fortunate to have had some of the best teachers to guide me along the way. I also do believe a lot of it had to do with the passion I had and continue to have for playing the violin. You can never really be successful if there is no thirst to go after what you love.«
As a violin instructor, how has the teacher-student relationship evolved since you were a youngster?
»I grew up in traditionally conservative 70s Russia, an era where teachers were highly respected and were obeyed without question. So close was our relationship with them that they often became revered family members. Back then, changing teachers was, in fact, considered a betrayal. Loyalty was always expected and made a priority.
Today it is a different story because students are free to pick and choose their instructors. Students are also more mobile, having access to all sorts of information over the internet. My generation had to depend on teachers. In my opinion, too much information can become a double-edged sword. While it has its benefits, youngsters might find themselves overwhelmed and unable to choose what is best for them. Teaching techniques today are very much integrated, so you cannot really tell if you have had a Russian or French violin teacher.«
How was your experience of teaching in Asia?
»It was a delightful experience for me, as I found the students richly talented and eager to learn. In Seoul (South Korea), I found to my great joy that the violin has become one of the most trendy musical instruments to take up for youngsters. The same cannot be said about Europe, where numbers continue to decrease, despite people learning the violin because of tradition. Learning a musical instrument is hard work and one has to be disciplined. In my opinion, most young people require someone in authority, such as an instructor, to push them to practice.«
You seem to have a soft spot for Asian students...
»Yes, Asians are perfect students for me because their culture teaches them to respect their teachers and elders. This is something I appreciate because nowadays it is difficult to find such traits among youngsters, who believe it is their right to debate and question their teacher over everything that is taught. I believe in freedom of speech, but students have to listen and respect teachers.«
Why do you believe it is necessary to have masterclasses?
»In this day and age, I believe it is necessary because students don’t always have the opportunity to have a session with an expert. Meeting veteran musicians up close and personal encourages them to keep their focus on training. It is also not common practice for concert organisers to encourage musicians to offer masterclasses, so I was delighted when I heard that a day before the Synergy in Music 2014 Presented by Gazprom concert, I, together with fellow Russian musicians, would hold masterclasses for budding violists in Singapore. I hope we can arrange for more such events in Asia. From what I have seen, there is huge untapped talent.«
After all these years, how do you continue to add freshness to music you have played since childhood?
»I would describe it as like a favourite classical book that you have been reading since you were a child. Reading that particular book at different stages of your life can add a new perspective each time you pick it up. So when you are 15, there is something different you will get from it than when you are 20. For me, it is kind of the same with music. Each time I play a classical piece that I am familiar with there is a new depth to the music that I am experiencing for the first time.«
Moscow
Le jeu passionné et inspiré de Tatiana Samouil est dans le prolongement directe des meilleures traditions de l'école russe de violon.
Le jeu passionné et inspiré de Tatiana Samouil est dans le prolongement directe des meilleures traditions de l'école russe de violon.
France
Le jeu de Tatiana Samouil est élégant et exquis.
Son violon chantait comme une voix, d'un millier de tons différents, tout en respirant la spontanéité et la fraîcheur.
Tatiana a un bon sens du risque, la technique fantastique de l'archet et une intonation toujours impeccable.
Le jeu de Tatiana Samouil est élégant et exquis.
Son violon chantait comme une voix, d'un millier de tons différents, tout en respirant la spontanéité et la fraîcheur.
Tatiana a un bon sens du risque, la technique fantastique de l'archet et une intonation toujours impeccable.
Interview
C'est lors du premier festival de musique La Clé des Portes que nous avons entendu à Talcy, pour la première fois, la violoniste Tatiana Samouil.
Immédiatement séduits par la teneur musicale de son jeu, l'amplitude de la sonorité de son violon, les couleurs et le chant dont l'interprète nourrissait avec générosité Rachmaninov, Tchaikovsky et Dvořák, nous avons voulu en savoir plus sur cette artiste.
Nous l'avons rencontrée dans un grand hôtel parisien après une réunion de la fondation Naked Heart à laquelle elle apporte son concours.
Vous sortez d'un concert privé lié à un projet de l'actrice et mannequin Natalia Vodianova. Pouvez-vous nous en dire plus?
Il s'agissait d'une réunion organisée par la fondation russe Naked Heart, très active auprès des enfants défavorisés. Cette structure a été créée il y a environ 10 ans, juste après la tragédie russe de la prise d'otages de Beslan qui s'est déroulée dans le cadre d'une école. La fondation est d'abord venue en aide aux enfants rescapés du drame, puis son action s'est développée. Elle construit en particulier de nombreux espaces de jeux pour eux, là où la vie est particulièrement terrible, et tente d'aider l'adoption d'enfants malades. Je viens de jouer dans le cadre d'une réunion consacrée aux enfants autistes. Ce petit concert a constitué une parenthèse musicale.
Pensez-vous vous investir à nouveau au côté de cette fondation?
J'aimerais, car je voudrais vraiment faire quelque chose en direction des enfants. J'ai créé un quatuor à cordes il y a quelques années, et c'est aussi un désir que nous partageons entre musiciens car nous nous sentons tous très chanceux de vivre dans des conditions somme toute privilégiées. Nous nous intéressons déjà au projet Rhapsody in School. Le principe est de permettre aux écoliers d'assister à un concert et, le jour suivant, les musiciens rencontrent les enfants dans leur école. Nous sommes en négociation pour mener cette action en Belgique.
Vous avez récemment participé au 1er Festival La Clé des Portes à Talcy. Quelles impressions vous ont laissé les deux concerts dans lesquels vous avez joué?
L'ambiance que j'ai trouvée à Talcy était fabuleuse et le cadre était tout à fait magnifique. L'accueil que nous avons reçu du public était à la fois superbe et chaleureux. La Clé des Portes m'a permis également de jouer pour la première fois avec la pianiste Ludmila Berlinskaia, ce qui était pour moi un grand moment. J'ai aussi retrouvé Gérard Caussé, que je connais depuis très longtemps. Depuis 10 ans, nous jouons très souvent ensemble. Alors, oui, ce festival s'est réellement bien déroulé, même s'il m'a paru très court. Tout s'est passé si rapidement! J'arrivais juste de Venise où je donnais un concert la veille... Mais je crois que ces trois jours de musique ont marqué tous les musiciens qui participaient.
Vous avez retrouvé à Talcy des musiciens avec lesquels vous avez l'habitude de jouer et enregistrer: l'altiste Gérard Caussé, le violoncelliste Justus Grimm et la violoniste Émilie Belaud. Comment pouvez-vous décrire les liens qui vous relient à ces instrumentistes?
J'ai rencontré Gérard Caussé alors que j'étais encore étudiante à l'École supérieure de musique Reina Sofia de Madrid. Je faisais partie du trio à cordes de l'école et nous préparions les Variations Goldberg de Bach. Gérard avait créé cette version pour trio à cordes avec Dmitry Sitkovetsky et Mischa Maisky, et il nous a accueillis chez lui pour nous conseiller. Dès cette première rencontre, il s'est montré très généreux avec moi et nous avons rapidement commencé à jouer ensemble. Je pense que tous les musiciens aiment jouer avec Gérard car, outre cette nature si généreuse, il s'investit totalement dans ce qu'il joue et le son très particulier qu'il crée fait de chaque concert une expérience unique. Quant à Émilie Belaud et Justus Grimm, ils forment le Quatuor Malibran avec le violoniste Tony Nys et moi-même. Je joue également depuis très longtemps avec Justus. Avec lui, nous partageons une rare compréhension musicale, plus importante qu'avec de nombreux autres interprètes, et je ne dis pas cela parce qu'il est aussi mon époux ! C'est cette complicité artistique qui nous a décidés à former notre quatuor à cordes... Émilie est la plus jeune de tous et nous jouons ensemble depuis quelques mois seulement. Mais tout se passe très bien depuis qu'elle a rejoint notre formation en décembre 2012.
À Talcy, le violoncelliste Dmitri Berlinski, parmi d'autres instrumentistes que vous ne connaissiez pas, jouait avec vous le sextuor à cordes de Tchaikovsky Souvenir de Florence. Quel regard avez-vous porté sur cet ensemble formé pour l'occasion?
Je reconnais qu'il est toujours plus facile de jouer avec des musiciens qu'on connaît, d'autant plus si on les apprécie. Il est vrai que, dans le cas présent, nous n'avons pas eu beaucoup de répétitions. Cependant, dans cette formation, certains musiciens se connaissaient bien et formaient un genre de base qui rend les choses plus simples pour les autres. Si trois instrumentistes se connaissent, ils apportent une cohésion à laquelle les autres peuvent se joindre. D’une part, à Talcy, tout s'est très bien déroulé, et le très jeune violoncelliste Dmitri Berlinski que j'ai rencontré à cette occasion a merveilleusement joué. D'autre part, ce sextuor Souvenir de Florence revêt pour moi une importance particulière car c'est une de mes œuvres préférées dans le répertoire de musique de chambre. C'est la raison pour laquelle je la connais vraiment bien, ce qui est un autre avantage car cela permet d'impliquer les autres musiciens par la force de conviction que l'on peut dégager. L'assurance qu'un interprète peut acquérir vis-à-vis d'une œuvre fait qu'un concert se déroule toujours mieux.
Vous êtes une violoniste issue de l'école russe. Pensez-vous qu'il y ait des différences entre le jeu d'un instrumentiste issu de cette école et d'une autre?
Il y a aujourd'hui moins de différences qu'à une certaine époque et la façon de jouer du violon s'est en quelque sorte globalisée. Quasiment personne n'étudie plus maintenant dix années avec le même professeur. Mais cela était tout à fait courant par le passé. Ce qui caractérise notre époque est son ouverture musicale. Les étudiants musiciens désirent en permanence essayer de nouvelles choses. Personnellement, je sors effectivement de l'école russe mais cela fait de nombreuses années que je vis en Europe. C'est la raison pour laquelle j'ai travaillé avec plusieurs professeurs, dont Augustin Dumay qui a été extrêmement important dans ma formation musicale. Je travaille depuis très longtemps avec lui en tant qu'assistante à la Chapelle musicale Reine Elisabeth. Cette école très spéciale accueille à Waterloo de jeunes musiciens de très haut niveau. On peut même dire de jeunes prodiges. J'ai également joué et discuté beaucoup avec lui, observé la manière dont il enseigne. Je le considère comme un maître d'une importance majeure. Augustin, lui-même, a beaucoup travaillé avec Arthur Grumiaux. En ce qui concerne mon jeu, je crois que j'ai une très grande chance d'être le fruit à la fois de l'école russe et de l'école franco-belge.
Que pouvez-vous dire de l'école russe?
À l'époque où j'ai été formée, tout était très bien organisé, ce qui représentait une réelle qualité. L'école russe était particulièrement stricte. Le programme était conçu de telle sorte que chaque musicien passait par les mêmes étapes de formation. C'est du reste ce qui caractérise une véritable école. Mais, parallèlement, cette structure accordait moins d'espace à la liberté musicale. Par exemple, on ne pouvait pas jouer le Concerto de Tchaikovsky avant telle ou telle autre œuvre qui était définie par le système de progression. Je constate qu'en France, cette rigueur dans l'accès aux œuvres n'existe pas et que l'on donne à jouer à des enfants assez jeunes des morceaux que l'école russe n'aurait pas permis de jouer au même âge. De toute façon, le vrai musicien naît après les années d'études, quand il se retrouve seul. La formation n'en demeure pas moins très importante, comme le fait de s'identifier à un modèle. Il est normal, pour un jeune violoniste, d'imiter un aîné. De la même façon, les grands peintres commençaient toujours par la copie avant de trouver leur propre expression. Je ne saurais dire s'il existe une école idéale mais, si l'enfant est vraiment doué, il évoluera à partir de ce qu'on lui donnera et je suis persuadé qu'il s'en sortira!
Il y a 2 ans, vous avez quitté l'orchestre de La Monnaie de Bruxelles pour vous consacrer à votre carrière personnelle. Que vous ont apporté ces années d'orchestre de maison d'opéra?
Je suis très attachée à l'opéra. Mon père était chef d'orchestre d'opéras et j'ai grandi dans cette ambiance musicale. Depuis l'âge de 5 ans, j'assistais aux répétitions générales et je ne me souviens pas avoir jamais manqué un seul spectacle. Le plus bel exemple d'expression d'une phrase musicale, c'est le chanteur qui le produit. Mon lien avec l'opéra est donc très puissant. Travailler dans l'orchestre de la Monnaie m'a permis de rencontrer de grands chefs, notamment Antonio Pappano et Kazushi Ōno, et m'a essentiellement apporté une forme de discipline. En effet, tenir le pupitre de premier violon d'un orchestre demande de posséder un pouvoir de conviction qui permet d'entraîner tous les musiciens. On retrouve cette même énergie dans une formation chambriste. Cela dit, si je dois définir une hiérarchie dans mes centres d'intérêts musicaux, je ne placerais pas l'orchestre en première position. Cependant, cette expérience bruxelloise compte incontestablement dans ma vie d'interprète.
Combien de temps êtes-vous restée dans l'orchestre de La Monnaie?
Je suis entrée dans l'orchestre en 1999, et je suis restée quatre ou cinq saisons dans lesquelles j'inclus mes nombreuses absences et la naissance de mes enfants. Je reconnais que l'administration de La Monnaie a été très généreuse avec moi car j'ai réellement pris de nombreux congés. Lorsque ces absences ont totalisé trois années, il m'est devenu impossible de rester, ce qui m'a semblé tout à fait normal.
Vous vous partagez aujourd'hui entre vos concerts solistes et la musique de chambre. On dit très souvent que la musique de chambre est indispensable à l'équilibre d'un musicien. Est-ce votre avis?
Je crois qu'un bon musicien doit être aussi à l'aise dans une expression soliste qu'en jouant de la musique de chambre. On peut d'ailleurs faire un vrai parallèle quand, dans le Concerto pour violon de Brahms, l'instrument soliste répond à des phrases de l'orchestre après l'avoir écouté. C'est la même chose lorsqu'on joue de la musique de chambre, à ceci près que l'écriture est peut-être plus étalée. Pour moi, elle constitue avant tout un plaisir immense car le stress ressenti dans une formation chambriste n'est pas du tout le même que pour un concerto que je joue en soliste. C'est aussi un échange avec d'autres musiciens. Lorsque, par exemple, Gérard Caussé fait partie de la formation, cela élève la richesse de l'échange à un niveau que n'atteindra pas une autre formation. Enfin, si je reviens à la création de mon quatuor, la musique de chambre m'ouvre l'accès à un répertoire pour violon incomparable. Rendez-vous compte que le violoniste n'a à sa disposition qu'un seul concerto de Beethoven pour de nombreux quatuors! À quelques exceptions près, tous les grands compositeurs ont écrit pour le quatuor à cordes, et cette richesse est irremplaçable. De plus, à notre époque, je ne pense pas qu'on puisse se contenter de n'être que soliste...
En 2008, vous avez créé le Quatuor Malibran. Doit-on voir dans le nom de la formation un hommage à l'opéra?
Tout à fait, bien que ce nom se soit imposé avec la force du hasard. À Bruxelles, j'habite tout près du Palais Royal de Laeken et d'un très grand cimetière où se trouve le mausolée de Maria Malibran. La vie très courte de cette soprano est assez extraordinaire. Elle était l'épouse du violoniste virtuose belge Charles Charles-Auguste Bériot. Cela a été un signe que j'ai associé à ces années d'admiration pour la voix, cet instrument peut-être le plus parfait pour exprimer des sentiments auxquels personne ne peut être insensible!
Le violon n'a-t-il pas un pouvoir de séduction musicale assez similaire...
La voix s'adresse directement au cœur. J'essaye toujours d'être la plus naturelle possible lorsque je joue du violon, mais je pense que la voix possède cette qualité plus naturellement. Quoi qu'il en soit, une des vocations du Quatuor Malibran est d'être le plus expressif possible et de tendre à chanter... Comme une voix!
Cinq ans après, comment se porte cette formation?
Elle a bien évolué malgré le manque d'attention que nous lui avons porté car, durant ces cinq ans, les concerts du quatuor n'ont jamais occupé le premier plan de nos occupations. Pour autant, nous n'avons jamais pensé arrêter car nous aimons cette formation, même si elle n'est pas notre seule voie d'expression. Je suis particulièrement heureuse que les musiciens qui composent le Quatuor Malibran soient issus de différentes nationalités, ce qui est du reste un pur hasard. Justus Grimm vient d'Allemagne, Tony Nys est Belge, Émilie Belaud vient de Bordeaux, et je suis d'origine russe. Ces diverses origines apportent une vraie richesse. Nous avons récemment trouvé un très bon agent et je pense que l'activité du quatuor va s'en ressentir. Nous allons en tout cas essayer de réserver certaines périodes aux concerts, ce qui n'est pas évident en fonction de l'ensemble de nos activités. Mais je le souhaite de tout cœur car jouer avec le quatuor m'apporte énormément de plaisir.
Le Quatuor Malibran se consacre-t-il à un répertoire particulier?
Nous avons essayé de jouer de la musique d'époques et de compositeurs différents afin de trouver la niche dans laquelle nous pourrions nous exprimer. Ce n'est pas simple car nous sommes tous d'accord à dire que nous pouvons jouer beaucoup de choses! Ceci étant, nous avons plusieurs pistes à notre disposition. La première est évidemment la musique russe. Nous avons déjà beaucoup joué les quatuors de Chostakovich et nous pourrions monter un programme russe en les combinant avec Prokofiev, qui est vraiment peu joué, et Tchaikovsky qui, lui, fait figure de vedette! L'autre voie que nous pouvons emprunter est celle de la musique française. Nous avons joué l'année dernière Ainsi la nuit de Dutilleux, et ça a été un tel succès que nous avons maintenant un projet de disque qui combine Ravel avec Dutilleux et, peut-être, le dernier Quatuor de Thierry Escaich. Enfin, la troisième piste est la musique que tous les quatuors du monde devraient jouer: celle de Beethoven. Impossible d'y échapper!
Lorsque nous avons rencontré Julia Fischer, elle nous a confié que la gestion d'un quatuor à cordes était très formatrice sur le plan des relations humaines. Pensez-vous de même?
J'avoue que, pour le moment, cet aspect nous échappe quelque peu dans la mesure où nous ne sommes pas très actifs. Tous les quatuors doivent faire face à l'équilibre des relations humaines. La gestion devient parfois très difficile dans le cas d'une formation qui travaille beaucoup car les préoccupations du quatuor se conjuguent avec les problèmes personnels de chacun. La question devient alors de savoir où va la priorité. En ce qui nous concerne, nous avons en revanche déjà beaucoup discuté de ces sujets et nous avons décidé de parler dès qu'un problème se présentera. J'espère que nos caractères très différents nous aideront à trouver l'équilibre. Je crois qu'à la base, le respect des autres est une clé importante de la réussite.
Quelles sont les rencontres les plus riches que vous a apportées la musique?
Chaque rencontre est importante car elle m'apprend toujours quelque chose. Je suis très curieuse de rencontrer des gens et c'est sans doute un des aspects les plus beaux de mon métier. Pour cette raison, il m'est difficile de vous parler de certains musiciens au risque de blesser ceux que j'apprécie tout autant et que je ne citerais pas. Ceci dit, si une rencontre récente m'a marquée, c'est celle avec Iouri Bachmet, avec lequel je joue beaucoup depuis deux ans. J'ai très rarement ressenti autant d'unité que lorsqu'il dirige l'orchestre. Trop souvent le soliste doit porter les musiciens mais, avec lui, c'est complètement différent... Il y a deux semaines j'ai pu enfin rencontrer Maxime Vengerov, et nous avons joué ensemble leConcerto pour 2 violons de Bach. Cela fait partie des rencontres incroyables car j'ai grandi avec l'image de star du violon associée à Maxime. Jouer ensemble était donc très important pour moi. Je ne peux pas non plus ne pas citer mon père chef d'orchestre car c'est toujours un plaisir très spécial de nous retrouver pour jouer ensemble. Enfin, bien sûr, il y a cette relation avec Augustin Dumay que je considère comme un vrai maître. Il m'a tant apporté. Assister à ses cours m'enrichit toujours au plus haut point. Après tant de figures imposantes du violon qui nous ont quittés ces dernières années, il représente sans doute une des dernières légendes du violon encore de ce monde...
Vous enseignez depuis 2004 à la Chapelle musicale Reine Elisabeth et, depuis 2009, au Conservatoire Royal d'Anvers. Que représente pour vous l'enseignement du violon?
Je crois au Destin, car je n'ai jamais cherché à enseigner autant, or cette activité prend une très grande place dans ma vie. Je crois même que l'enseignement me poursuit. Face aux élèves, j'ai conscience de pouvoir apporter quelque chose d'important, et leur attachement me conforte en cela. Alors, enseigner est peut-être l'activité la plus importante à laquelle je puisse me livrer. Jouer en concert est avant tout pour soi. L'enseignement permet de donner et d'aider à créer un vrai futur. Enseigner me prend tant d'énergie que j'ai parfois l'impression de trop m'y consacrer. Après sept heures de répétitions, je peux rentrer chez moi et avoir encore de l'énergie. Mais après sept heures de cours, mes enfants savent que je serai incapable de parler...
Vous jouez un Stradivarius qui a appartenu à Fritz Kreisler. Quel est votre rapport à cet instrument?
Cela fait six ans que je joue sur ce violon et j'en suis follement amoureuse sans savoir s'il nourrit le même sentiment à mon égard! Ce Stradivarius représente une chance incroyable et, tous les jours, au moment de le prendre, je me dis que c'est un vrai bonheur.# Je ne sais pas pendant combien d'années je pourrai le jouer mais, pour le moment, j'en profite et j'essaye d'enregistrer le plus possible de disques car je trouve le son de cet instrument tout à fait extraordinaire, tellement chaleureux et doux tout en étant puissant. Je me souviendrai toujours du premier contact avec ce Stradivarius car j'ai été déstabilisée par des vertiges que me causaient la richesse des harmoniques et des vibrations. C'était si intense que ma tête tournait... Auparavant, et pendant quelques années, j'ai joué sur un très bon del Gesù, mais ce n'était pas la même chose. Puis sur un Montagnan, qui était aussi un très bon instrument. Mais rien de comparable avec cette relation instantanée et absolument incroyable avec le Stradivarius. Avec lui, je suis toujours submergée d'émotions. De plus, je suis sensible à ce qu'ont pu laisser dans le cœur de cet instrument tous les grands violonistes qui l'ont joué avant moi. Ils vivent en quelque sorte dans ce violon C'est un peu comme une information qui serait maintenant partie intégrante de l'instrument. Hier j'animais une masterclass et j'enseignais à une étudiante le Concerto de Beethoven. Je lui ai dit: »Imagine-toi que Fritz Kreisler a enregistré ce Concerto de Beethoven avec ce violon!«. Je suis persuadée que, si on écoute bien, un grand instrument comme celui-ci apprend tous les jours à celui qui le joue.
Quelle raison vous ferait changer d'instrument? Pour avoir mieux?
Avoir mieux, cela me paraît difficile! Différent, peut-être. Mais je ne le souhaite pas pour le moment. Je possède aussi un instrument moderne de Christian Bayon que je joue assez souvent en fonction des œuvres. L'été dernier, par exemple, j'ai beaucoup voyagé en Asie. Or je sais que le Stradivarius, qui n'est pas tout jeune, ne supporte pas très bien les différences de climats et de températures. J'ai donc emporté le violon de Christian Bayon. Cet instrument est évidemment très jeune, mais sa sonorité est très puissante et je le joue avec énormément de plaisir aussi. Il a été fait spécialement pour moi. Je vous dirais même que je constate que, plus je joue avec ce violon moderne, plus il se charge de l'information que je lui donne. La relation, là aussi, est vivante. Du reste, les violons sont différents en fonction des violonistes qui les jouent. C'est la même chose pour les pianos. Le meilleur exemple est d'assister à un concours: le piano est le même mais chaque pianiste en sort quelque chose de complètement différent.
Dans votre discographie, aux côtés de l'intégrale de la musique de chambre de César Franck, des sonates de Prokofiev, un disque consacré à Enesco, on trouve une création du compositeur belge Bernard Foccroulle: Am Rande der Nacht. Pouvez-vous nous parler de cette musique?
Il s'agit d'une écriture très sensible, très poétique. Mon mari est allemand et, lorsque nous avons travaillé cette partition, il m'a traduit le texte de Rainer Maria Rilke utilisé par Bernard. J'étais encore à La Monnaie à l'époque de la création. Bernard Foccroulle a écrit cette œuvre pour son dernier concert en tant que Directeur. Cette première version de Am rande der Nacht était composée pour grand orchestre symphonique, chœur et soprano. L'œuvre intégrait déjà à ce stade un numéro intitulé »Le Voisin«, confié au violon solo et à la soprano. Bernard était très satisfait de la création et il a décidé de transcrire son œuvre pour trio, clavier et soprano. Nous avons créé cette nouvelle version il y a deux ans au cours du Festival de Montepulciano en Toscane. Enfin, nous avons décidé de l'enregistrer et le disque est sorti chez Cypres Records... Il existe aujourd'hui deux versions pour orchestre de cette œuvre - la seconde a été créée avec l'Orchestre Philharmonique Royal de Liège - et une version de musique de chambre, qui est forcément différente. Mais la musique demeure très belle. Justus et moi avons beaucoup aimé enregistrer cette œuvre si particulière.
Jouez-vous d'autres compositeurs contemporains?
Je joue souvent le Concerto de Philippe Boesmans, mais aussi la musique de Dutilleux et des œuvres de Denisov. J'ai eu l'occasion de jouer de la musique de Sofia Goubaidulina dans un grand festival. Elle était présente et nous avons passé quelques jours extraordinaires à travailler avec elle. Je dois dire que cette rencontre fait partie des plus importantes de ma carrière. Il faut savoir que lorsque j'étudiais le violon en Russie, la musique contemporaine ne faisait pas partie de la formation. Lorsque je me suis installée en Belgique, je n'avais encore jamais joué d'œuvre plus contemporaine que Prokofiev! Quand j'ai commencé à m'intéresser à ces écritures différentes, je les trouvais vraiment très difficiles. Aujourd'hui, je me sens un peu plus à l'aise, mais cela me demande un investissement en énergie très important afin d'être juste au niveau rythmique. Ceci dit, j'éprouve beaucoup de plaisir à jouer ces autres musiques après avoir dépassé le stade de l'apprentissage, même s'il est particulièrement ardu.
Quelles sont vos dates importantes pour la saison à venir?
Je sélectionne mes concerts en fonction de deux critères: certains sont importants pour moi sur le plan musical, d'autres le sont sur le plan humain. Un rendez-vous capital sera mon retour en Moldavie où j'ai vécu huit ans lorsque j'étais petite. Je jouerai un concerto avec orchestre et j'aimerais faire une masterclass qui me permettra de rencontrer les jeunes. Je me réjouis aussi beaucoup de jouer pour la première fois le Concerto No. 2 de Prokoviev. Ce sera à Lisbonne pendant La Folle journée. Je reprendrai ensuite le Concerto de Boesmans et le Concerto No. 3 de Saint-Saëns que j'ai déjà vraiment beaucoup joué et qui est devenu en quelque sorte un de mes »hits«. Je viens de l'enregistrer, et le disque doit sortir fin novembre chez Zig-Zag Territoires. Un disque de virtuosité pour piano et violon sortira aussi vers la fin de l'année chez Indésens Records. Je suis en train de peaufiner le programme et j'aimerais qu'il propose plus de musique russe que ce qui est prévu actuellement. Enfin, je prépare un récital de violon solo qui est important car je n'ai jamais beaucoup joué ainsi. Bien sûr, je compte me consacrer aussi beaucoup à mon quatuor, et déjà de nouveaux projets se présentent. Cette saison s'annonce particulièrement riche...
Par quels mots voulez-vous terminer cet entretien?
Je souhaiterais adresser un grand merci à tous mes professeurs. J'en ai eu beaucoup, dans les nombreux endroits où la vie me portait. L'étudiante que j'étais a toujours eu beaucoup de chance car ces multiples rencontres ont été exceptionnellement riches. Je suis consciente de la chance que j'ai eue, grâce à mes parents, d'être formée ainsi dès l'âge de six ans par un excellent professeur, puis de la qualité de l'école dans laquelle j'ai étudié. Tout cela m'a apporté la structure sur laquelle je peux m'épanouir aujourd'hui en tant qu'artiste.
C'est lors du premier festival de musique La Clé des Portes que nous avons entendu à Talcy, pour la première fois, la violoniste Tatiana Samouil.
Immédiatement séduits par la teneur musicale de son jeu, l'amplitude de la sonorité de son violon, les couleurs et le chant dont l'interprète nourrissait avec générosité Rachmaninov, Tchaikovsky et Dvořák, nous avons voulu en savoir plus sur cette artiste.
Nous l'avons rencontrée dans un grand hôtel parisien après une réunion de la fondation Naked Heart à laquelle elle apporte son concours.
Vous sortez d'un concert privé lié à un projet de l'actrice et mannequin Natalia Vodianova. Pouvez-vous nous en dire plus?
Il s'agissait d'une réunion organisée par la fondation russe Naked Heart, très active auprès des enfants défavorisés. Cette structure a été créée il y a environ 10 ans, juste après la tragédie russe de la prise d'otages de Beslan qui s'est déroulée dans le cadre d'une école. La fondation est d'abord venue en aide aux enfants rescapés du drame, puis son action s'est développée. Elle construit en particulier de nombreux espaces de jeux pour eux, là où la vie est particulièrement terrible, et tente d'aider l'adoption d'enfants malades. Je viens de jouer dans le cadre d'une réunion consacrée aux enfants autistes. Ce petit concert a constitué une parenthèse musicale.
Pensez-vous vous investir à nouveau au côté de cette fondation?
J'aimerais, car je voudrais vraiment faire quelque chose en direction des enfants. J'ai créé un quatuor à cordes il y a quelques années, et c'est aussi un désir que nous partageons entre musiciens car nous nous sentons tous très chanceux de vivre dans des conditions somme toute privilégiées. Nous nous intéressons déjà au projet Rhapsody in School. Le principe est de permettre aux écoliers d'assister à un concert et, le jour suivant, les musiciens rencontrent les enfants dans leur école. Nous sommes en négociation pour mener cette action en Belgique.
Vous avez récemment participé au 1er Festival La Clé des Portes à Talcy. Quelles impressions vous ont laissé les deux concerts dans lesquels vous avez joué?
L'ambiance que j'ai trouvée à Talcy était fabuleuse et le cadre était tout à fait magnifique. L'accueil que nous avons reçu du public était à la fois superbe et chaleureux. La Clé des Portes m'a permis également de jouer pour la première fois avec la pianiste Ludmila Berlinskaia, ce qui était pour moi un grand moment. J'ai aussi retrouvé Gérard Caussé, que je connais depuis très longtemps. Depuis 10 ans, nous jouons très souvent ensemble. Alors, oui, ce festival s'est réellement bien déroulé, même s'il m'a paru très court. Tout s'est passé si rapidement! J'arrivais juste de Venise où je donnais un concert la veille... Mais je crois que ces trois jours de musique ont marqué tous les musiciens qui participaient.
Vous avez retrouvé à Talcy des musiciens avec lesquels vous avez l'habitude de jouer et enregistrer: l'altiste Gérard Caussé, le violoncelliste Justus Grimm et la violoniste Émilie Belaud. Comment pouvez-vous décrire les liens qui vous relient à ces instrumentistes?
J'ai rencontré Gérard Caussé alors que j'étais encore étudiante à l'École supérieure de musique Reina Sofia de Madrid. Je faisais partie du trio à cordes de l'école et nous préparions les Variations Goldberg de Bach. Gérard avait créé cette version pour trio à cordes avec Dmitry Sitkovetsky et Mischa Maisky, et il nous a accueillis chez lui pour nous conseiller. Dès cette première rencontre, il s'est montré très généreux avec moi et nous avons rapidement commencé à jouer ensemble. Je pense que tous les musiciens aiment jouer avec Gérard car, outre cette nature si généreuse, il s'investit totalement dans ce qu'il joue et le son très particulier qu'il crée fait de chaque concert une expérience unique. Quant à Émilie Belaud et Justus Grimm, ils forment le Quatuor Malibran avec le violoniste Tony Nys et moi-même. Je joue également depuis très longtemps avec Justus. Avec lui, nous partageons une rare compréhension musicale, plus importante qu'avec de nombreux autres interprètes, et je ne dis pas cela parce qu'il est aussi mon époux ! C'est cette complicité artistique qui nous a décidés à former notre quatuor à cordes... Émilie est la plus jeune de tous et nous jouons ensemble depuis quelques mois seulement. Mais tout se passe très bien depuis qu'elle a rejoint notre formation en décembre 2012.
À Talcy, le violoncelliste Dmitri Berlinski, parmi d'autres instrumentistes que vous ne connaissiez pas, jouait avec vous le sextuor à cordes de Tchaikovsky Souvenir de Florence. Quel regard avez-vous porté sur cet ensemble formé pour l'occasion?
Je reconnais qu'il est toujours plus facile de jouer avec des musiciens qu'on connaît, d'autant plus si on les apprécie. Il est vrai que, dans le cas présent, nous n'avons pas eu beaucoup de répétitions. Cependant, dans cette formation, certains musiciens se connaissaient bien et formaient un genre de base qui rend les choses plus simples pour les autres. Si trois instrumentistes se connaissent, ils apportent une cohésion à laquelle les autres peuvent se joindre. D’une part, à Talcy, tout s'est très bien déroulé, et le très jeune violoncelliste Dmitri Berlinski que j'ai rencontré à cette occasion a merveilleusement joué. D'autre part, ce sextuor Souvenir de Florence revêt pour moi une importance particulière car c'est une de mes œuvres préférées dans le répertoire de musique de chambre. C'est la raison pour laquelle je la connais vraiment bien, ce qui est un autre avantage car cela permet d'impliquer les autres musiciens par la force de conviction que l'on peut dégager. L'assurance qu'un interprète peut acquérir vis-à-vis d'une œuvre fait qu'un concert se déroule toujours mieux.
Vous êtes une violoniste issue de l'école russe. Pensez-vous qu'il y ait des différences entre le jeu d'un instrumentiste issu de cette école et d'une autre?
Il y a aujourd'hui moins de différences qu'à une certaine époque et la façon de jouer du violon s'est en quelque sorte globalisée. Quasiment personne n'étudie plus maintenant dix années avec le même professeur. Mais cela était tout à fait courant par le passé. Ce qui caractérise notre époque est son ouverture musicale. Les étudiants musiciens désirent en permanence essayer de nouvelles choses. Personnellement, je sors effectivement de l'école russe mais cela fait de nombreuses années que je vis en Europe. C'est la raison pour laquelle j'ai travaillé avec plusieurs professeurs, dont Augustin Dumay qui a été extrêmement important dans ma formation musicale. Je travaille depuis très longtemps avec lui en tant qu'assistante à la Chapelle musicale Reine Elisabeth. Cette école très spéciale accueille à Waterloo de jeunes musiciens de très haut niveau. On peut même dire de jeunes prodiges. J'ai également joué et discuté beaucoup avec lui, observé la manière dont il enseigne. Je le considère comme un maître d'une importance majeure. Augustin, lui-même, a beaucoup travaillé avec Arthur Grumiaux. En ce qui concerne mon jeu, je crois que j'ai une très grande chance d'être le fruit à la fois de l'école russe et de l'école franco-belge.
Que pouvez-vous dire de l'école russe?
À l'époque où j'ai été formée, tout était très bien organisé, ce qui représentait une réelle qualité. L'école russe était particulièrement stricte. Le programme était conçu de telle sorte que chaque musicien passait par les mêmes étapes de formation. C'est du reste ce qui caractérise une véritable école. Mais, parallèlement, cette structure accordait moins d'espace à la liberté musicale. Par exemple, on ne pouvait pas jouer le Concerto de Tchaikovsky avant telle ou telle autre œuvre qui était définie par le système de progression. Je constate qu'en France, cette rigueur dans l'accès aux œuvres n'existe pas et que l'on donne à jouer à des enfants assez jeunes des morceaux que l'école russe n'aurait pas permis de jouer au même âge. De toute façon, le vrai musicien naît après les années d'études, quand il se retrouve seul. La formation n'en demeure pas moins très importante, comme le fait de s'identifier à un modèle. Il est normal, pour un jeune violoniste, d'imiter un aîné. De la même façon, les grands peintres commençaient toujours par la copie avant de trouver leur propre expression. Je ne saurais dire s'il existe une école idéale mais, si l'enfant est vraiment doué, il évoluera à partir de ce qu'on lui donnera et je suis persuadé qu'il s'en sortira!
Il y a 2 ans, vous avez quitté l'orchestre de La Monnaie de Bruxelles pour vous consacrer à votre carrière personnelle. Que vous ont apporté ces années d'orchestre de maison d'opéra?
Je suis très attachée à l'opéra. Mon père était chef d'orchestre d'opéras et j'ai grandi dans cette ambiance musicale. Depuis l'âge de 5 ans, j'assistais aux répétitions générales et je ne me souviens pas avoir jamais manqué un seul spectacle. Le plus bel exemple d'expression d'une phrase musicale, c'est le chanteur qui le produit. Mon lien avec l'opéra est donc très puissant. Travailler dans l'orchestre de la Monnaie m'a permis de rencontrer de grands chefs, notamment Antonio Pappano et Kazushi Ōno, et m'a essentiellement apporté une forme de discipline. En effet, tenir le pupitre de premier violon d'un orchestre demande de posséder un pouvoir de conviction qui permet d'entraîner tous les musiciens. On retrouve cette même énergie dans une formation chambriste. Cela dit, si je dois définir une hiérarchie dans mes centres d'intérêts musicaux, je ne placerais pas l'orchestre en première position. Cependant, cette expérience bruxelloise compte incontestablement dans ma vie d'interprète.
Combien de temps êtes-vous restée dans l'orchestre de La Monnaie?
Je suis entrée dans l'orchestre en 1999, et je suis restée quatre ou cinq saisons dans lesquelles j'inclus mes nombreuses absences et la naissance de mes enfants. Je reconnais que l'administration de La Monnaie a été très généreuse avec moi car j'ai réellement pris de nombreux congés. Lorsque ces absences ont totalisé trois années, il m'est devenu impossible de rester, ce qui m'a semblé tout à fait normal.
Vous vous partagez aujourd'hui entre vos concerts solistes et la musique de chambre. On dit très souvent que la musique de chambre est indispensable à l'équilibre d'un musicien. Est-ce votre avis?
Je crois qu'un bon musicien doit être aussi à l'aise dans une expression soliste qu'en jouant de la musique de chambre. On peut d'ailleurs faire un vrai parallèle quand, dans le Concerto pour violon de Brahms, l'instrument soliste répond à des phrases de l'orchestre après l'avoir écouté. C'est la même chose lorsqu'on joue de la musique de chambre, à ceci près que l'écriture est peut-être plus étalée. Pour moi, elle constitue avant tout un plaisir immense car le stress ressenti dans une formation chambriste n'est pas du tout le même que pour un concerto que je joue en soliste. C'est aussi un échange avec d'autres musiciens. Lorsque, par exemple, Gérard Caussé fait partie de la formation, cela élève la richesse de l'échange à un niveau que n'atteindra pas une autre formation. Enfin, si je reviens à la création de mon quatuor, la musique de chambre m'ouvre l'accès à un répertoire pour violon incomparable. Rendez-vous compte que le violoniste n'a à sa disposition qu'un seul concerto de Beethoven pour de nombreux quatuors! À quelques exceptions près, tous les grands compositeurs ont écrit pour le quatuor à cordes, et cette richesse est irremplaçable. De plus, à notre époque, je ne pense pas qu'on puisse se contenter de n'être que soliste...
En 2008, vous avez créé le Quatuor Malibran. Doit-on voir dans le nom de la formation un hommage à l'opéra?
Tout à fait, bien que ce nom se soit imposé avec la force du hasard. À Bruxelles, j'habite tout près du Palais Royal de Laeken et d'un très grand cimetière où se trouve le mausolée de Maria Malibran. La vie très courte de cette soprano est assez extraordinaire. Elle était l'épouse du violoniste virtuose belge Charles Charles-Auguste Bériot. Cela a été un signe que j'ai associé à ces années d'admiration pour la voix, cet instrument peut-être le plus parfait pour exprimer des sentiments auxquels personne ne peut être insensible!
Le violon n'a-t-il pas un pouvoir de séduction musicale assez similaire...
La voix s'adresse directement au cœur. J'essaye toujours d'être la plus naturelle possible lorsque je joue du violon, mais je pense que la voix possède cette qualité plus naturellement. Quoi qu'il en soit, une des vocations du Quatuor Malibran est d'être le plus expressif possible et de tendre à chanter... Comme une voix!
Cinq ans après, comment se porte cette formation?
Elle a bien évolué malgré le manque d'attention que nous lui avons porté car, durant ces cinq ans, les concerts du quatuor n'ont jamais occupé le premier plan de nos occupations. Pour autant, nous n'avons jamais pensé arrêter car nous aimons cette formation, même si elle n'est pas notre seule voie d'expression. Je suis particulièrement heureuse que les musiciens qui composent le Quatuor Malibran soient issus de différentes nationalités, ce qui est du reste un pur hasard. Justus Grimm vient d'Allemagne, Tony Nys est Belge, Émilie Belaud vient de Bordeaux, et je suis d'origine russe. Ces diverses origines apportent une vraie richesse. Nous avons récemment trouvé un très bon agent et je pense que l'activité du quatuor va s'en ressentir. Nous allons en tout cas essayer de réserver certaines périodes aux concerts, ce qui n'est pas évident en fonction de l'ensemble de nos activités. Mais je le souhaite de tout cœur car jouer avec le quatuor m'apporte énormément de plaisir.
Le Quatuor Malibran se consacre-t-il à un répertoire particulier?
Nous avons essayé de jouer de la musique d'époques et de compositeurs différents afin de trouver la niche dans laquelle nous pourrions nous exprimer. Ce n'est pas simple car nous sommes tous d'accord à dire que nous pouvons jouer beaucoup de choses! Ceci étant, nous avons plusieurs pistes à notre disposition. La première est évidemment la musique russe. Nous avons déjà beaucoup joué les quatuors de Chostakovich et nous pourrions monter un programme russe en les combinant avec Prokofiev, qui est vraiment peu joué, et Tchaikovsky qui, lui, fait figure de vedette! L'autre voie que nous pouvons emprunter est celle de la musique française. Nous avons joué l'année dernière Ainsi la nuit de Dutilleux, et ça a été un tel succès que nous avons maintenant un projet de disque qui combine Ravel avec Dutilleux et, peut-être, le dernier Quatuor de Thierry Escaich. Enfin, la troisième piste est la musique que tous les quatuors du monde devraient jouer: celle de Beethoven. Impossible d'y échapper!
Lorsque nous avons rencontré Julia Fischer, elle nous a confié que la gestion d'un quatuor à cordes était très formatrice sur le plan des relations humaines. Pensez-vous de même?
J'avoue que, pour le moment, cet aspect nous échappe quelque peu dans la mesure où nous ne sommes pas très actifs. Tous les quatuors doivent faire face à l'équilibre des relations humaines. La gestion devient parfois très difficile dans le cas d'une formation qui travaille beaucoup car les préoccupations du quatuor se conjuguent avec les problèmes personnels de chacun. La question devient alors de savoir où va la priorité. En ce qui nous concerne, nous avons en revanche déjà beaucoup discuté de ces sujets et nous avons décidé de parler dès qu'un problème se présentera. J'espère que nos caractères très différents nous aideront à trouver l'équilibre. Je crois qu'à la base, le respect des autres est une clé importante de la réussite.
Quelles sont les rencontres les plus riches que vous a apportées la musique?
Chaque rencontre est importante car elle m'apprend toujours quelque chose. Je suis très curieuse de rencontrer des gens et c'est sans doute un des aspects les plus beaux de mon métier. Pour cette raison, il m'est difficile de vous parler de certains musiciens au risque de blesser ceux que j'apprécie tout autant et que je ne citerais pas. Ceci dit, si une rencontre récente m'a marquée, c'est celle avec Iouri Bachmet, avec lequel je joue beaucoup depuis deux ans. J'ai très rarement ressenti autant d'unité que lorsqu'il dirige l'orchestre. Trop souvent le soliste doit porter les musiciens mais, avec lui, c'est complètement différent... Il y a deux semaines j'ai pu enfin rencontrer Maxime Vengerov, et nous avons joué ensemble leConcerto pour 2 violons de Bach. Cela fait partie des rencontres incroyables car j'ai grandi avec l'image de star du violon associée à Maxime. Jouer ensemble était donc très important pour moi. Je ne peux pas non plus ne pas citer mon père chef d'orchestre car c'est toujours un plaisir très spécial de nous retrouver pour jouer ensemble. Enfin, bien sûr, il y a cette relation avec Augustin Dumay que je considère comme un vrai maître. Il m'a tant apporté. Assister à ses cours m'enrichit toujours au plus haut point. Après tant de figures imposantes du violon qui nous ont quittés ces dernières années, il représente sans doute une des dernières légendes du violon encore de ce monde...
Vous enseignez depuis 2004 à la Chapelle musicale Reine Elisabeth et, depuis 2009, au Conservatoire Royal d'Anvers. Que représente pour vous l'enseignement du violon?
Je crois au Destin, car je n'ai jamais cherché à enseigner autant, or cette activité prend une très grande place dans ma vie. Je crois même que l'enseignement me poursuit. Face aux élèves, j'ai conscience de pouvoir apporter quelque chose d'important, et leur attachement me conforte en cela. Alors, enseigner est peut-être l'activité la plus importante à laquelle je puisse me livrer. Jouer en concert est avant tout pour soi. L'enseignement permet de donner et d'aider à créer un vrai futur. Enseigner me prend tant d'énergie que j'ai parfois l'impression de trop m'y consacrer. Après sept heures de répétitions, je peux rentrer chez moi et avoir encore de l'énergie. Mais après sept heures de cours, mes enfants savent que je serai incapable de parler...
Vous jouez un Stradivarius qui a appartenu à Fritz Kreisler. Quel est votre rapport à cet instrument?
Cela fait six ans que je joue sur ce violon et j'en suis follement amoureuse sans savoir s'il nourrit le même sentiment à mon égard! Ce Stradivarius représente une chance incroyable et, tous les jours, au moment de le prendre, je me dis que c'est un vrai bonheur.# Je ne sais pas pendant combien d'années je pourrai le jouer mais, pour le moment, j'en profite et j'essaye d'enregistrer le plus possible de disques car je trouve le son de cet instrument tout à fait extraordinaire, tellement chaleureux et doux tout en étant puissant. Je me souviendrai toujours du premier contact avec ce Stradivarius car j'ai été déstabilisée par des vertiges que me causaient la richesse des harmoniques et des vibrations. C'était si intense que ma tête tournait... Auparavant, et pendant quelques années, j'ai joué sur un très bon del Gesù, mais ce n'était pas la même chose. Puis sur un Montagnan, qui était aussi un très bon instrument. Mais rien de comparable avec cette relation instantanée et absolument incroyable avec le Stradivarius. Avec lui, je suis toujours submergée d'émotions. De plus, je suis sensible à ce qu'ont pu laisser dans le cœur de cet instrument tous les grands violonistes qui l'ont joué avant moi. Ils vivent en quelque sorte dans ce violon C'est un peu comme une information qui serait maintenant partie intégrante de l'instrument. Hier j'animais une masterclass et j'enseignais à une étudiante le Concerto de Beethoven. Je lui ai dit: »Imagine-toi que Fritz Kreisler a enregistré ce Concerto de Beethoven avec ce violon!«. Je suis persuadée que, si on écoute bien, un grand instrument comme celui-ci apprend tous les jours à celui qui le joue.
Quelle raison vous ferait changer d'instrument? Pour avoir mieux?
Avoir mieux, cela me paraît difficile! Différent, peut-être. Mais je ne le souhaite pas pour le moment. Je possède aussi un instrument moderne de Christian Bayon que je joue assez souvent en fonction des œuvres. L'été dernier, par exemple, j'ai beaucoup voyagé en Asie. Or je sais que le Stradivarius, qui n'est pas tout jeune, ne supporte pas très bien les différences de climats et de températures. J'ai donc emporté le violon de Christian Bayon. Cet instrument est évidemment très jeune, mais sa sonorité est très puissante et je le joue avec énormément de plaisir aussi. Il a été fait spécialement pour moi. Je vous dirais même que je constate que, plus je joue avec ce violon moderne, plus il se charge de l'information que je lui donne. La relation, là aussi, est vivante. Du reste, les violons sont différents en fonction des violonistes qui les jouent. C'est la même chose pour les pianos. Le meilleur exemple est d'assister à un concours: le piano est le même mais chaque pianiste en sort quelque chose de complètement différent.
Dans votre discographie, aux côtés de l'intégrale de la musique de chambre de César Franck, des sonates de Prokofiev, un disque consacré à Enesco, on trouve une création du compositeur belge Bernard Foccroulle: Am Rande der Nacht. Pouvez-vous nous parler de cette musique?
Il s'agit d'une écriture très sensible, très poétique. Mon mari est allemand et, lorsque nous avons travaillé cette partition, il m'a traduit le texte de Rainer Maria Rilke utilisé par Bernard. J'étais encore à La Monnaie à l'époque de la création. Bernard Foccroulle a écrit cette œuvre pour son dernier concert en tant que Directeur. Cette première version de Am rande der Nacht était composée pour grand orchestre symphonique, chœur et soprano. L'œuvre intégrait déjà à ce stade un numéro intitulé »Le Voisin«, confié au violon solo et à la soprano. Bernard était très satisfait de la création et il a décidé de transcrire son œuvre pour trio, clavier et soprano. Nous avons créé cette nouvelle version il y a deux ans au cours du Festival de Montepulciano en Toscane. Enfin, nous avons décidé de l'enregistrer et le disque est sorti chez Cypres Records... Il existe aujourd'hui deux versions pour orchestre de cette œuvre - la seconde a été créée avec l'Orchestre Philharmonique Royal de Liège - et une version de musique de chambre, qui est forcément différente. Mais la musique demeure très belle. Justus et moi avons beaucoup aimé enregistrer cette œuvre si particulière.
Jouez-vous d'autres compositeurs contemporains?
Je joue souvent le Concerto de Philippe Boesmans, mais aussi la musique de Dutilleux et des œuvres de Denisov. J'ai eu l'occasion de jouer de la musique de Sofia Goubaidulina dans un grand festival. Elle était présente et nous avons passé quelques jours extraordinaires à travailler avec elle. Je dois dire que cette rencontre fait partie des plus importantes de ma carrière. Il faut savoir que lorsque j'étudiais le violon en Russie, la musique contemporaine ne faisait pas partie de la formation. Lorsque je me suis installée en Belgique, je n'avais encore jamais joué d'œuvre plus contemporaine que Prokofiev! Quand j'ai commencé à m'intéresser à ces écritures différentes, je les trouvais vraiment très difficiles. Aujourd'hui, je me sens un peu plus à l'aise, mais cela me demande un investissement en énergie très important afin d'être juste au niveau rythmique. Ceci dit, j'éprouve beaucoup de plaisir à jouer ces autres musiques après avoir dépassé le stade de l'apprentissage, même s'il est particulièrement ardu.
Quelles sont vos dates importantes pour la saison à venir?
Je sélectionne mes concerts en fonction de deux critères: certains sont importants pour moi sur le plan musical, d'autres le sont sur le plan humain. Un rendez-vous capital sera mon retour en Moldavie où j'ai vécu huit ans lorsque j'étais petite. Je jouerai un concerto avec orchestre et j'aimerais faire une masterclass qui me permettra de rencontrer les jeunes. Je me réjouis aussi beaucoup de jouer pour la première fois le Concerto No. 2 de Prokoviev. Ce sera à Lisbonne pendant La Folle journée. Je reprendrai ensuite le Concerto de Boesmans et le Concerto No. 3 de Saint-Saëns que j'ai déjà vraiment beaucoup joué et qui est devenu en quelque sorte un de mes »hits«. Je viens de l'enregistrer, et le disque doit sortir fin novembre chez Zig-Zag Territoires. Un disque de virtuosité pour piano et violon sortira aussi vers la fin de l'année chez Indésens Records. Je suis en train de peaufiner le programme et j'aimerais qu'il propose plus de musique russe que ce qui est prévu actuellement. Enfin, je prépare un récital de violon solo qui est important car je n'ai jamais beaucoup joué ainsi. Bien sûr, je compte me consacrer aussi beaucoup à mon quatuor, et déjà de nouveaux projets se présentent. Cette saison s'annonce particulièrement riche...
Par quels mots voulez-vous terminer cet entretien?
Je souhaiterais adresser un grand merci à tous mes professeurs. J'en ai eu beaucoup, dans les nombreux endroits où la vie me portait. L'étudiante que j'étais a toujours eu beaucoup de chance car ces multiples rencontres ont été exceptionnellement riches. Je suis consciente de la chance que j'ai eue, grâce à mes parents, d'être formée ainsi dès l'âge de six ans par un excellent professeur, puis de la qualité de l'école dans laquelle j'ai étudié. Tout cela m'a apporté la structure sur laquelle je peux m'épanouir aujourd'hui en tant qu'artiste.